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Durante la cuarentena, la directora ha sido invitada a realizar una película sobre su experiencia de confinamiento. Para afrontar este desafío, extrae imágenes de su memoria —y archivo—, para recordarse hacia dónde moverse.
“Cómo filmar las flores” es una película de ensayo personal donde la creación artística y la expresión personal se convierten en el medio para pensar y procesar la vida. El resultado es una película de ensayo sobre el cine y la vida como acto creativo.
Currents / Perpendicolare Avanti es un collage de películas de 16 mm hecho a mano y sin cámara, basado en la experiencia autobiográfica del artista como inmigrante. La película explora la dinámica de habitar el espacio intermedio de múltiples países y temporalidades a través de la abstracción visual y sonora, entrelazando y reciclando materiales fílmicos preexistentes y fragmentos de películas huérfanas anónimas. Utilizando estos llamados "desechos", Currents es una película de remediación extensa, tratada a mano mediante el uso de la técnica de emulsión, reimaginando, reconstruyendo y deconstruyendo la liminalidad de la vida de los inmigrantes. La reescritura del yo en Currents se produce a través de los archivos de otros, a través del montaje asociativo y actos performativos repetidos en la superficie de la película.
Me sumerjo en el pasado que mis ancestros tuvieron que resistir y sobrevivir: aquellas epidemias de discurso de odio que dieron lugar a diversas persecuciones, torturas, masacres y exilios.
Un poema corto sobre el lado nostálgico y melancólico del crecimiento. Filmado en Super 8 en Queens, Nueva York.
Entrelazando archivos históricos y películas caseras de su familia, Jonathan Lee intenta solidificar las reverberaciones de la historia íntima de su familia coreana en El Paso, Texas.
¿Qué significa ser coreano?, le pregunta a su padre. ¿Qué significa ser estadounidense? Y, sin pronunciar nunca las palabras, pregunta: ¿qué quedará de mi coreanidad cuando mis padres mueran?
Con la esperanza de encontrar respuestas a la cuestión de la pertenencia, la película une cuentos populares, diálogos familiares e imágenes de la guerra de Corea. Sin embargo, tal vez la pertenencia se esconde en el acto de hacer.
Después de ganar una sesión de coaching de vida en una rifa en el ayuntamiento de su localidad, Helen es guiada a través de la ayuda que realmente nunca necesitó.
Junto con su entrenadora de vida, Hazel, exploran estrategias de curación para hacer frente al miedo, el rechazo y el dolor, lo que plantea la importante pregunta de a quién pertenece realmente este dolor.
Un ratón se encuentra recitando recuerdos de la infancia en una sala estéril. Fragmentos de un pasado alienante pintan el retrato de una vida humana. Una sensación de pérdida impregna la atmósfera mientras se debate entre ser humana y ser un ratón, entre estar viva y estar en una simulación.
Ante el hallazgo de material de archivo videográfico de su infancia, Bárbara Lago reprograma la mitología de su infancia y reflexiona sobre su cuerpo atravesado por afectos, ficciones y el paso del tiempo. En estos materiales íntimos encuentra una posibilidad de pensar las sexualidades disidentes, la relación entre la tecnología y el cuerpo humano, el lenguaje y la infancia.
Madres, padres, hijos, hermanos conviven en este ecosistema, armando un tejido de afectos donde circulan los diferentes tiempos que tejen la historia familiar. Los cuerpos crecen, las imágenes cambian de textura y en estas metamorfosis encontramos formas de vivir la infancia con libertad.
Las imágenes captan lo innombrable y anuncian la posibilidad de una película que recupera también los procedimientos formales de ese cuerpo filmado. Una narrativa fragmentada y subjetiva recorre a Jonathan/Yon: es el cuerpo fuera de la domesticación social. ¿Cómo crece tal cuerpo en nuestras sociedades contemporáneas? ¿Es el rodaje una forma de generar nuevas utopías sociales?
Se abre un vacío en el espacio-tiempo cuando los espíritus amargos se rodean unos a otros en busca de la Espiral Entumecida. El doble de la realidad saca del mapa a Estados Unidos.
En España, la erupción del volcán La Palma obliga a cientos de familias a abandonar sus hogares. Un refugiado colombiano aprovecha el caos y ocupa una casa vacía en la isla.
Escrita durante el confinamiento de marzo de 2020, esta película combina reflexiones sobre la violencia de género que sufre la directora con sus reflexiones sobre la inminente desaparición de la isla de su infancia.
El capitalismo patriarcal los empuja a retirarse del mundo, a buscar refugio lejos de sus agresores. Pero para ambos, ¿hay algo más que la desaparición como técnica de supervivencia?
La película Old Ghost ilustra el salvaje proceso de construcción de las Élites en la Gran Ciudad del futuro.
Metraje encontrado: California en los años 50 y 60. Una joven pareja india disfruta de su sueño americano personal hecho realidad en su casa en algún lugar de los suburbios de San Francisco. Demuestran con gran detalle su riqueza recién adquirida frente a su cámara Super-8.
Como postales, enviarían estos rollos de película a sus familias en la India. Casi al mismo tiempo, una pareja de misioneros estadounidenses visita la ciudad de Calcuta para filmar una película de propaganda cristiana.
La drástica realidad de la pobreza y el hambre en las calles de la metrópolis india encaja perfectamente en su malvado plan: promover la creencia en Cristo mostrando la miseria que los creyentes paganos están condenados a sufrir.
A medida que un ascensor inteligente descubre el mundo, conocemos los vínculos invisibles entre las alturas extremas –la torre mega-alta, objeto especulativo y símbolo de dominación social, cultural y económica– y las profundidades extremas –la mina profunda, lugar de extracción de riquezas naturales y la explotación colonial.
A medida que las dudas, los miedos y los deseos se derriten en la conciencia del ascensor, la existencia se convierte en una batalla para justificarse.
1910s. Poemas con rimas alternas narran un viaje por mar y por ferrocarril.
Estos son los versos de Fadil Hasin Ash-Shalmani que testimonia un hecho histórico muchas veces olvidado: la deportación de numerosos civiles durante los primeros años de la ocupación italiana en Libia.
El cortometraje sigue las vivencias y los recuerdos del poeta utilizando únicamente material de archivo, subvirtiendo así la función propagandística original de las imágenes.
En el entorno artificial del arrozal, el agua, un elemento de la naturaleza, sigue las reglas de lo artificial. Como resultado, la naturaleza se vuelve abstracta, dando lugar a una nueva forma de belleza distinta del estado natural. He expresado "The Stream" como una cooperación simbiótica entre los humanos y la naturaleza.
Para la duodécima película de la serie “The Stream”, no limité la corriente a los líquidos, sino que la amplié para incluir el aire.
Un documental autobiográfico de una cabra cola de pez que viaja a la cima de la enorme montaña en busca de sus sueños. Cuando llega a la cima, bajo la luz de la luna llena, se lanza por el precipicio para adentrarse en las profundidades de su universo interior.
Un grupo de jóvenes radicales se junta armados con bongós y cócteles molotov hechos con botellas de cerveza artesanal. Un acto de extremismo es reemplazado por valor estético. El librito rojo de Mao ya no se imprime. Las imágenes mediáticas de los dramas distópicos adolescentes impulsan a la juventud hacia nuevas producciones.
En un tranquilo barrio residencial, la tensión entre los animales domésticos, salvajes y de trabajo es captada por la cámara de seguridad de una casa, registrada a través de las ventanas y guardada en postales antiguas. Una pieza de metraje encontrado hecha como reacción a la obsesión de Internet con las mascotas, The Kittens' Tea Party alegoriza el especismo.
This Fan May Not Be Replaced You Just Don't Know The Future es una actuación de pantalla compartida (documentada aquí) en la que la artista muestra videos de YouTube en su escritorio en una rutina coreografiada. Al manipular los videos en el navegador en tiempo real, la artista lleva a la audiencia a un recorrido virtual por una de las subculturas obsesivas de YouTube: los aficionados a los ventiladores de techo.
Los usuarios, muchos de los cuales son niños, filman ventiladores de techo en sus hogares, restaurantes, hoteles, en cualquier lugar, y a menudo recitan estadísticas de diseño y fabricación con la confianza de contratistas experimentados. A veces los filman sin narración, o editan música techno y efectos de video llamativos encima. A veces parece que no saben que están filmando en absoluto.
A medida que avanza la actuación, los videos se convierten en el medio y se utilizan para crear fascinantes collages visuales y baños de sonido ambiental. En última instancia, la pieza da vueltas para mostrar la superposición entre mi trabajo y el de ellos.
This Fan revela la belleza de lo mundano y sugiere que es posible que no estemos tan solos como a veces nos sentimos.
En "A Valley Without Trees", la humilde cebolla que se entierra en el suelo y pasa la mayor parte de su vida bajo tierra se presenta como un intérprete o una prótesis sensorial potencial que ofrece una forma diferente de entender (y tal vez comunicarse con) la tierra, el planeta, y cosmos en el que crece.
Los niños son antiguas criaturas tribales, misteriosamente extinguidas hace unos años. Lo que queda de ellos ahora son solo imágenes: fotos y videos de todo el mundo en los que celebran rituales extraños. Un científico hereda el diario de un colega que se fue a la Amazonía, creyendo que la última tribu de niños sobrevivientes estaba escondida en la selva.
Una niña perdida que deambula por la ciudad de Buenos Aires se pregunta sobre las extrañas razones que llevaron a la humanidad a vivir en espacios cuadrados mientras descubrimos que en realidad no es humana y que su pensamiento original proviene de otro planeta.
Time Crystals es un cortometraje experimental sobre imágenes, memoria y tiempo, contado por un narrador no del todo humano.
Este narrador sintético está recordando el tiempo a través de imágenes, aunque no está claro si los recuerdos son reales, si son fantasías o algo intermedio. El narrador describe encontrar patrones en el tiempo, que "ella" llama cristales de tiempo. No sabemos si esta enigmática película es un registro, una señal o un sueño.
Tinnitus Will Unite Us, parte de la serie de videos surrealistas de Ethan Stickley Recovered Memories, arroja luz sobre el amor y el compromiso entre el hombre y la máquina en un futuro no muy lejano. El hardware analógico y las técnicas de edición experimental se unen para tejer una historia de advertencia para la próxima generación.
La fitografía se sumerge en el rico y variado mundo de la química vegetal. Esta colección de 'objets trouvés' orgánicos demuestra cómo la naturaleza genera múltiples soluciones creativas, cada una estructurada intrincadamente.
Mediante la aplicación de un proceso químico simple, las hojas, pétalos y tallos seleccionados han impreso sus propias imágenes en la emulsión de la película. Formas, colores y ritmos se arremolinan en la pantalla, atrayendo al espectador a un mundo más allá del lenguaje y el habla.
La película toca un reino de mutualismo y generosidad, fácilmente disponible a pesar de los estragos ambientales causados por la codicia humana y el consumo excesivo.
Teoría del lugar utiliza los argumentos mínimos de la poesía para construir un lenguaje cinematográfico esencial, al mismo tiempo que descompone el mundo poético de Alejandro Krawietz en nuevas propuestas poético-fílmicas. El espectador es testigo del encuentro entre un lugar y un tiempo que se produce sólo porque alguien lo observa y lo transforma en acontecimiento.
Toda la película se hizo con una lente estenopeica.
Durante quince años, mientras vivíamos en la misma casa, mi madre, mis hermanas y yo, nos escribimos cartas. En este ensayo animado, las palabras de esa experiencia epistolar dialogan con imágenes de la cotidianidad actual, como una forma de explorar los lazos afectivos entre las mujeres de mi familia.
Entramos a una psiquis colectiva a través de una niña, de la historia del cine, del insomnio, del cuerpo y el horror; para liberar a estas imágenes y dejarlas que escurran por territorios distintos, permitirles que fracasen para que no ejerzan poder.
El cortometraje Bilis Negra se expande y sigue un proceso alternativo a la película en la web www.archivosnegros.com. Este espacio se construye con ideas y archivos desechados, material que en estado latente reside en el producto final; al igual que lo hace el inconsciente en la psiquis humana . Bilis Negra y Archivos Negros es el anverso y el reverso de un mismo artefacto.
El cortometraje está grabado enteramente con celular, apunta hacia la pantalla del ordenador y hacia la realidad